Television Rules The Nation #22

I Am, Unfortunately, Randy Newman

Randy Newman est issue d'une dynastie de compositeurs d’hollywood. Son oncle Alfred Newman est un des plus grands compositeurs des années 30-40 (notamment l’auteur de la fanfare du logo 20th Century Fox). Il commence sa carrière à succès en tant que compositeur pour tous les chanteurs de variété des années 60 : Dusty Springfield, Gene Pitney, Petula Clark. Comme son meilleur ami est le directeur artistique de Warner (Lenny Waronker) il enregistre et sort un premier album en 1968. Album pour musiciens et journalistes, il est complètement ignoré par le public. Par contre, "I Think It’s Going To Rain Today" est reprise par la Terre entière : Helen Reddy, Bette Midler, Alan Price, Van Dyke Parks, Dave Van Ronk, Judy Collins, Cass Elliot, Art Garfunkel, the Everly Brothers, Claudine Longet, Dusty Springfield, Tom Odell, Nina Simone, Lynn Anderson, Wilson Pickett, Pat Boone.

Alors il continue d’écrire et de sortir ses chansons. "Have You Seen My Baby" est aussi bien reprise par Ringo Starr que les Flamin Groovies. Newman a un style très académique mais personne n’écrit de manière aussi drôle et sarcastique. Et les Américains, peu réceptifs au second degré, ne comprennent pas tout. En 1973, il publie son chef d'œuvre "Sail Away", célébré par tout le monde et ignoré comme d’habitude par le grand public. Sur "Political Science", il moque la politique étrangère des Etats-Unis, expliquant que puisque personne n’est content de ce que font les Américains, le plus simple est de lâcher la bombe atomique. La crème des musiciens de studio participe à tous ses albums.

Nouvelle polémique en 1977 avec "Short People" où Randy Newman critique les imbéciles égoïstes qui ne voient pas plus loin que le bout de leur nez. Mais une association de défense des nains se sent offensée et lui intente un procès. Au tournant des années 1980 il se reconvertit dans la musique de film avec succès pour "Ragtime" de Milos Forman. Il devient de plus en plus culte. Durant les années 90 il se concentre sur le cinéma. Ce sera Maverick mais surtout Toy Story qui l’installent à l’insu des familles dans les oreilles de générations d’enfants. "You Have A Friend In Me" est un tube dont le grand public ne connaît pas l'auteur.

La vie de Randy Newman méritait bien un documentaire, plusieurs même. Elle mérite un film, des études, des regards nouveaux, des oreilles tendues. Mais on peut déjà, pour débuter, découvrir ce documentaire de 2003, en attendant une mise à jour, une Grande Oeuvre. (Nico P.).

Barbie

Le carton de l’été, le film qui a relancé la fréquentation des cinémas en 2023 et qui continue de battre des records historiques. Le film Barbie est pourtant loin d’être évident à analyser, et semble plutôt fonctionner comme un syncrétisme particulièrement déséquilibré. Entre le pink washing industriel pas bien subtile de Mattel et la patte (certes plus très visible) mumblecore de Greta Gerwig, Barbie est un objet culturel particulièrement complexe.

Et cette complexité se retrouve dans le marketing : près de 150 millions de dollars pour les collaborations avec Zara, Google, etc, mais aussi pour financer un marketing musical qui fait office de proposition presque indépendante du film. Le 21/07 est sorti un Barbie The Album, afin de faire vivre l’engouement à la maison et dans les transports. Dix-sept morceaux originaux, tous centrés autour de la poupée Mattel, plus ou moins longuement utilisés dans le film, et qui confirme également une galaxie de all-stars musicaux contemporains pour la génération 2020. Billie Eilish, Gayle, HAIM, Pinkpantheress, Charli XCX ou Nicky Minaj se côtoient dans une série de bangers qui jouent parfaitement le jeu du marketing tout en étant parfaitement audibles en solo. Au milieu de cette avalanche de noms, on retrouve aussi l’iconique "I’m Just Ken" de Ryan Gosling, et le morceau du film, "Dance The Night" de Dua Lipa.

Presque de quoi penser Barbie comme une comédie musicale contemporaine, témoin auditif d’une époque dans laquelle les luttes féministes ont intégré le paysage comme motif culturel, à défaut d’en être un véritable motif politique. (EmileO).

Strange Way Of Life

Le génie du cinéma espagnol veut s’exiler aux États-Unis, et quitte à le faire, autant le faire à fond. De toute évidence donc, le western : un terrain de jeu propice pour son amour des cadres à déborder et des silences qui en disent long. Mais avant de se lancer pleinement dans son projet, Pedro Almodovar a souhaité faire un premier essai, et étrangement, on a l’autorisation de visionner ce « brouillon » dans le cadre d’une double séance (deux courts-métrage d’une demi-heure) intitulée L’Expérience Almodovar.

Strange Way Of Life, seule nouveauté des deux pièces de l’expérience, raconte l’histoire de Jake (Ethan Hawke), shérif d’un village bien classique du cinéma de Far West, visité inopinément par Silva (Pedrrrro Pascal). Ensemble, ils ont connu l’amour dans leur jeunesse, mais alors que Jake retrouve la sensualité de son partenaire dans une nuit qui le sort de toute réalité, il comprend que Silva n’est pas venu pour reprendre leur amour passé, mais bien pour protéger son fils, accusé de meurtre. S'ensuit un imbroglio entre le thriller et la romance, pas encore franchement bien ficelé, mais qui donne surtout l’occasion d’entendre la tentative américaine d’Alberto Iglesias, le compositeur-phare d’Almodovar. Pour le coup, lui a déjà pu s’essayer au cinéma non-européen, notamment avec Exodus : Gods and Kings de Ridley Scott il y a dix ans.

Outre le classique morceau guitare-voix qui tire les larmes au bout de 12 secondes de film, Iglesias a su proposer une bande originale qui maintienne les spectateurs·rices dans du Almodovar, tout en l’intégrant le mieux possible à l’univers du western. On y entend donc principalement un ensemble orchestral de cordes, représentant assez efficacement l’étrange tension entre Jake et Silva. Malheureusement, court-métrage oblige, on manque de temps et de contemplation pour apprécier pleinement ce qu’aurait pu donner un thème comme "Arrebato" sur de longues séquences de désert et d’amour. Partie remise. (EmileO).

Roadrunner

Venu de Boston, Jonathan Richman vit mal l’époque hippie. En fait, c'est le Velvet Underground qui vient souvent jouer dans le club du Tea Party qui lui montre la voie à suivre. En 1970, le groupe de Lou Reed n’est qu’une formation mal aimée et ignorée de tous jouant péniblement devant quelques paumés au Max’s Kansas City à New York. Richman, 19 ans, fait le voyage. À New York, il dort sur le canapé de Steve Sesnick, le manager du Velvet, et cherche lui aussi à percer comme musicien. Mais alors que Lou Reed quitte le Velvet, Richman constate son échec et retourne à Boston.

Il sympathise avec David Robinson, batteur, Jerry Harrison, clavier, et Ernie Brooks, bassiste. Ils forment les Modern Lovers. Richman veut combiner la spontanéité, la sensibilité et l’urgence du Velvet Underground avec son monde très tourné vers la naïveté, l’enfance et le refus du cool. C’est John Cale qui se penche sur le groupe et les pousse dans une formule speedée et très électrique. Mais l’album ne sort pas pour cause de contrats non finalisés. Richman reconsidère de plus en plus le projet dans l’intervalle. Il trouve la production de Cale, trop rock voire punk avant l’heure. Les nouvelles sessions sont avortées et recommencent avec Kim Fowley, l’occasion de mettre en boîte "I’m Straight", véritable manifeste identitaire. Nouvelles bisbilles de contrats, les Modern Lovers se séparent mais l’album sort. En Angleterre, il est célébré par les punks naissant et "Roadrunner" devient une reprise régulière des Sex Pistols. Richman lui la joue complètement à l’opposé. Il rejette tout ce qu’il y a de punk et ne garde que la naïveté et la rêverie et la belle mélodie. Il se place complètement en marge et devient culte. Il est célébré par les collèges radio émergentes. Son influence de l’absurde se ressent chez les Pixies, Weezer, Violent Femmes et Mac DeMarco notamment. L’instrumental culte "Egyptian Reggae" devient un tube improbable en Angleterre et sera sur la BO de beaucoup de films (Baby Driver). Le culte autour de son personnage reprend de plus belle dans les années 90 et 2000. En effet, il apparaît souvent dans le talk show de Conan O’Brien et surtout, il est inoubliable dans ses interventions chantées dans Mary À Tout Prix des Frères Farrelly.

Cette vie, étrangement, c’est aussi celle d’Anthony Bourdain. D’abord dans l’ombre (en cuisine), le chef, qui ne se sent jamais réellement à sa place, devient star de la télévision, personnalité sympathique, populaire, inspirante. Mais les démons sont là, toujours, encore. Comme Richman, Bourdain, auteur, acteur, cuisinier, voyageur, n’a jamais vraiment totalement été compris, tout du moins pas quand il le souhaitait, pas comme il le souhaitait. Roadrunner, réalisé par Morgan Neville, jette un coup d'œil en coulisses pour un portrait intime sur ce chef anonyme devenu une icône mondiale. La route, la course… Peut-être que le titre du film fut choisi uniquement pour cela, pour la sensation de mouvement perpétuel, de vitesse. Sans doute que Bourdain aimait Richman, les Modern Lovers. Mais tous deux partageaient infiniment plus que cela : une vie parallèle en somme. (Nico P.)

Mr Blue Sky: The Story of Jeff Lynne & ELO

Originaire du vivier rock de Birmingham dans les années 60 (Moody Blues, Spencer Davies Group, Black Sabbath ou 50% de Led Zeppelin), Jeff Lynne commence Electric Light Orchestra avec Roy Wood déjà rendu légendaire par son groupe culte The Move. L’entente entre les deux hommes s’effrite vite et Lynne reste seul aux commandes quand Roy Wood part en solo.

Jeff Lynne fait alors prendre à ELO un tournant commercial et rock symphonique en cherchant (pour réussir souvent) à sonner comme les Beatles au milieu des années 70. "Mr Blue Sky", "Last Train To London", "Confusion", "Do Ya"… Les albums se vendent par millions. Comme le mouvement punk et le disco font passer la mode de ELO, Jeff Lynne commence à produire d’autres artistes à la fin des années 80. Entre 87 et 88, il participe au retour au premier plan inattendu de deux gloires recluses des 60’s. C’est d’abord Brian Wilson, devenu le Beach Boy fantôme qui sort de ses problèmes narco psychiatriques avec son premier album solo. Mais c’est surtout Cloud Nine, l’album du come back de George Harrison qui marque les esprits avec le tube "Got My Mind Set On You" et "When We Was Fab" qui rend autant hommage aux Beatles qu’à ELO.

Ce qui devait arriver arriva, George Harrison, peu enclin à rappeler le vétéran George Martin pour accomplir le sacrilège de rassembler les Beatles survivants avec le fantôme de Lennon, impose Lynne à McCartney pour "Free As A Bird" et "Real Love". McCartney accepte à contre cœur pour contenter la mauvaise volonté de Harrison. Lynne parvient à fédérer les trois survivants et surtout à tirer quelque chose d’exploitable de la bande pourrie enregistrée par Lennon sur son magnéto en 1977. Du coup, McCartney le garde pour co-produire son album solo suivant Flaming Pie. C’est lui qui supervise les derniers enregistrements de Harrison qui sortiront de manière posthume sur Brainwashed. La boucle est bouclée.

Et ce documentaire de 2012 a brillamment condensé une vie pop, pour celles et ceux qui, peut-être, connaissent les tubes mais ignorent l’auteur. (Nico P.)